舞尽花未开

NO.1 《野草莓》






中文名称：野草莓
英文名称：Smultronst&auml'llet
发行时间：1957年12月26日
导演：英格玛·伯格曼 Ingmar Bergman
地区：瑞典
语言：瑞典语
颜 色： 黑白
声 音： Mono
时 长： 91 分钟
类 型： 剧情


剧情简介：
　　七十九岁的医生伊萨克．伯雷在献身医学界几十年之久后终于获得人们所颁赠的荣誉博士学位，于是开车前往多伦多。随行的还有他的家人。途中，当伊萨克从媳妇口中得知儿子竟恨自已自私的时候，他有所振动，坐在路边草坪上开始忘我地回忆自己的少年时代，同时也想到了自己的初恋情人堂妹莎拉。由幻想清醒过来的伊萨克，望着站立在他面前的与莎拉长得十分相像的少女与两名青年，他们都充满着青春的活力。伊萨克感悟并埋怨自已为了学问，将爱情等闲视之，时光水逝，美丽的青春和爱情一去不返……
　　他们抵达伦多城后，尽管颁奖的场面隆重无比，但伊萨克的脚步却十分沉重。当天晚上，他做了一场童年时的梦。那仍然年轻而感情弥笃的父母，那美丽平和的大自然，使得睡梦中的老人脸上浮出一丝笑容。透过回忆、幻觉或梦境，将不断出现而又消失在接近死亡的老人脑海里的孤独，描写得非常冷酷而彻底，是一部很成功的影片，也是英格玛．伯格曼导演的代表作，曾获得柏林电影节的国际电影奖。



NO.2 《沉默》







中文名称：沉默
英文名称：Tystnaden
发行时间：1963年
电影导演：英格玛·伯格曼 Ingmar Bergman
地区：瑞典
语言：瑞典语
颜 色： 黑白
时 长： 96 分钟
类 型： 剧情


junk说：“只有Bergman的电影才能如此深刻的揭露如此复杂的人心，每一秒的情绪转换都令人斗颤，两姐妹，姐姐是个翻译家，得了伤寒，病重，妹妹带着自己的儿子和她一起来到瑞典度假疗养，但是，姐妹俩之间的纠葛和心结深深的折磨着彼此，嫉妒、憎恨、报复和内心深处仍未泯灭的爱，谁都逃不了，黑白的近景和特写是全片的主要拍摄手法，冲击力极强，令人感同身受。
　　
　　战争的大背景在影片的大部分时间里都是被遗忘的，但是在片末坦克出现，提醒着战争的到来，而在片头明暗的瞬间转换，吸引住小孩眼球的仍是一辆辆坦克，孩子的天真未逝，欣然面对那层出不穷的未知。
　　
　　大而空旷的旅馆，迷路的小孩，还有几个滑稽的侏儒，加上影片对母子乱伦和姐妹同性爱的暗示，以及裸体和性爱的元素增多，成了Bergman争议性较大的作品，但是是非常值得回味的片子，还有Ingrid Thulin这位Bergman的御用女演员，在片中有着惊人的上佳表现，十分出色。
　　
　　沉默是金，纵使在此刻迸发的激情和能量是如此之巨，所有一切还是都会过去，回归至沉默和寂静，正如片中的隐忍和绝望最终还会回到沉默的原点。”



NO.3 《穿过黑暗的玻璃》





上映年度: 1961



SYB：巴赫《无伴奏大提琴组曲》第二首，Ｄ小调，作品第１００８号。这是伯格曼黑白时代最伟大的电影《在黑暗中穿过镜子》的主题音乐。这首组曲的第四部分“萨拉班德”在影片中出现了四次：片头作为引子出现；第二部分，女主角偷看父亲日记，发现自己患有不治之症，而父亲却能如此冷静地记下自己的病情发展时；最后一部分，也是全片高潮，当女主角与其弟在搁浅的破船上发生越界悲剧，走向沉沦与毁灭时；以及全片结束时作为尾声的重现。这个主题表明，任何试图用言语来分析伯格曼的这部伟大之作的举动都是徒劳的。对于巴赫，人们只有聆听。对于伯格曼，人们虽然可以说许多，但他的伟大处，却正如巴赫的这首“萨拉班德”一样，我们除了远远地一望其令人颤栗的渊深外，还有什么话可说呢？
　　《在黑暗中穿过镜子》１９６０年７月开拍，９月封镜，次年１０月发行。伯格曼称“这是我的第一部真正的小型合唱剧”。有两个事实对影片产生了决定性影响：一是伯格曼将斯特林堡的几部戏剧刚刚搬上电视；二是他与钢琴家凯比·拉莱蒂的婚姻。它们共同促成了伯格曼的“室内剧”概念。斯特林堡在严格的时间框架内将非理性与现实强迫性混合，并只准有极少量演员参与的戏剧，是伯格曼所说的“室内剧”形式的主要特征。斯特林堡的戏剧还有一种音乐内涵，即它更适合像室内乐那样，在一个亲密的小范围内，而不是在一个人头簇动的大堂里演出。伯格曼在谈到妻子的影响时则说：“《镜子》中最好的东西来自凯比与我的关系。通过凯比，我懂得了许多音乐的东西。她帮我找到了‘室内剧’的形式。室内剧与室内乐之间的界线并不存在，正如电影表现与音乐表现之间并不存在界线一样。”
　　


NO.4　〈冬之光〉






上映年度: 1963

　　

A：《在黑暗中穿过镜子》通过严谨的音乐结构所达到的人物关系的对立和变奏，从而达到对上帝沉默的一种解说。从某种角度来讲，这部电影是三部曲的基础，如果上帝根本不存在，那么信仰问题（《冬之光》主要探讨）就根本不会提出。《冬之光》这部电影的风格相比另外两部，更加趋向于一种文学性，电影主体是通过大量的对白所构建，因此主题的把握深深地隐藏在角色大量、冗长而晦涩的独白或对话之中。
　　
　　电影截取了一个牧师在早晚两次布道这段时间内发生的几件事情。这部电影不像《在黑暗中穿过镜子》那样所有人物都是至关重要的，因为主题是通过人物关系的转变而被推动，《冬之光》中的牧师成为了绝对的主角，他总是试图向别人表达一种上帝沉默的思想，包括求助于他的渔夫，他的情人和一个教堂的管理人员。他不仅怀疑自己信仰的力量，而且将这种思想作为自己自私虚伪的借口。








以上三部充满着道德焦虑感和对神的质疑的影片，被合称为《神之沉默三部曲》，展现了伯格曼哲学层面思考，涉及宗教和道德批判性，使得片子表现的更有力，也由于文化的差异，增加了观众感受的“门槛”。







NO.5〈第7封印〉








上映年度: 1957

导演：英格玛·伯格曼 Ingmar Bergman
编剧：英格玛·伯格曼 Ingmar Bergman
影片类型：幻想 / 惊悚 / 剧情
片长：96 min / USA:92 min
国家/地区：瑞典
对白语言：瑞典语
色彩：黑白



剧情介绍：
影片透过十四世纪战争结束之后理想主义的骑士布罗克以及他的同伴在蔓延瘟疫的欧洲大陆上的漂泊生涯，向观众展示了不同的人在面对死亡时不同的表现方式。同时对人类生存的意义、对信仰的根源以及上帝的存在性提出了针锋相对的疑问，同时又通过演员约瑟夫一家的生活来肯定信仰本身的力量。

故事发生在中世纪，一名十字军骑士带着侍从东征返回，在途中他遇到了死神的化身。当时正值欧洲大瘟疫肆虐，他拖着疲惫不堪的身子，内心充满了需要时间才能解开的疑问：生命的意义何在？死的本质是什么？他决定和死神赌一盘棋，如果他输了就让死神带走。棋局断断续续地下着。骑士也着继续自己的旅程。在途中的所见所闻让他渐渐明白真理就是人世间的幸福，拯救他们的不是靠上天的法力，而是人类孕育生命，相亲相爱。然而此时，死神追上了他，要求和他把未下完的棋下完。结果是骑士输掉了。第二天，流浪者似乎看见死神把骑士带走，拖进了一个“骷髅舞”的圆阵中。






NO.6〈假面〉







上映年度: 1966




PER说〈假面》是一个奇迹。每一个场景，每一句台词，每一个镜头都是。
　　 有没有过一部电影，情节简单的甚至可以用一句话概括：演员Vogler突然失语，护士Alma和她搬到一个小岛上进行治疗；却能充满悬念，让观众自始至终的沉迷于每个场景不能自拔，以至要频繁的快倒，再看一遍直到每句台词每个动作都了然于胸。但即便如此你心中依然充满疑惑无法解答？
　　
　　 有没有过一部电影，露面的人物不多于五个，绝大部分时间只有两个女演员参与演出，其中一个只说过一个语气助词，另外一个承担了几乎所有台词；却充满趣味与性感，造就了电影史上最值得回味的演出？
　　
　　 有没有过一部电影，虽然只有短短八十分钟，却让你感到世界和时间都停顿了。把每一个镜头都深深的烙印在你的脑海中阴魂不散，让你在接下来的一个星期里面回味不已惊心动魄？
　　
　　 有没有想象过这一切是如何发生的，或许你和我一样患上了Vogler的失语症，对这部不朽的电影只能保持沉默？
　　 无法告白
　　
　　无法告白之剧情
　　 假如你坚称所谓的剧情存在的话，那么它的确是存在的，而且疑团重重。
　　 最大的疑团莫过于Vogler的失语症。
　　 影片借医生之口说出了Vogler对语言交流的拒绝："生存是一个无望的梦。什么也别干，只是生存。每秒钟都保持警惕，注意周围。与此同时，在别人心目中的你和你自己心目中的你存在着一个深渊……每一个声调都是一个谎言，一个欺骗行为，每一个手势都是虚假的。每一个微笑都是一个鬼脸……你能保持沉默，你至少不撒谎了。你能离群索居，把自己关起来，于是你不必扮演角色，不必装模作样，不必做虚假的手势……





NO.7  〈秋日奏鸣曲〉





上映年度: 1978



NOVI：伯格曼的《秋天奏鸣曲》，其标题明显提示了影片具有的音乐结构——奏鸣曲，音乐史上最成功、影响最深远的结构设计。无数音乐普及书籍喋喋不休地试图教会入门者，让他们记住呈示部、发展部、再现部。


发展部的真正入口，我相信就是那个“肖邦前奏曲”场景。女儿（牧师妻子）给母亲——一位杰出的钢琴家——弹奏肖邦《a小调第二前奏曲》，就像重新回到儿时，在母亲的监督下练琴。女儿虽是一个敏锐的作家，但她弹奏的肖邦却带着浪漫主义中最糟糕的滥调：肖邦音乐成为温情的避难所。母亲哭了，她是被女儿的温情打动了（而不是肖邦），触发了她对过去美好一面的回忆（至于美好下面是什么，观者很快就会知道）。而后，母亲坐到琴前，以一个真正艺术家的气度，重新弹奏了一遍《第二前奏曲》。同样的音乐，女儿弹得像温室花朵，而在母亲的手下，怪异的低音音程麻木空洞地潜行，三音旋律像幽灵一样显现，踉跄地在附点中跌落，这是一个令人惊惧的深渊！真正的艺术开启了矛盾、凸现了矛盾、激化了矛盾。在伟大的艺术表现中，没有温顺中庸的空间，一切都推到极端。
　　
伯格曼有时喜欢让影片具有一种偏橙的暖色调，在《魔笛》和《芬尼与亚历山大》中，这种色调就像大调和弦那么稳定灿烂。而《秋天奏鸣曲》的橙暖色调固然喻示着季节，但核心包裹的是彻骨冰凉的冷色。就像贝多芬奏鸣曲的发展部那样，呈示部中“爱与温顺”的主题被扔进熔炉，扭曲撞击得几不成形。
　　
当天夜里，母亲被恶梦惊醒，事后证明那只是真正恶梦的开始：喝得半醉的女儿，毫不掩饰地道出对母亲和家庭生活的真实看法，光辉的艺术生涯、成功人士的千金、艺术家庭的熏陶，这些都是假相。实际生活是一个地狱，罪魁祸首就是母亲。伤害由无数的琐事逐步一刀一刀地积累，就像最残忍的凌迟，温馨的家庭其实是一个施虐的刑场。发展部的高潮处，女儿控诉道：“一个母亲和一个女儿，还能想象出比这更可怕的结合吗？”母亲只能喃喃道：“你究竟是爱我，还是恨我？”我们终于触及了这首奏鸣曲最令人心悸的核心，极端的爱与恨之间实际上没有界限。“你爱我吗？”就等于“你恨我吗？”
　　
再现部，重新回到了牧师丈夫，叙述对妻子无条件的爱与顺从（牧师主题在母女争执的发展部，偷偷隐藏起来，伯格曼再次发泄了对教会的不满）。但一切都不一样了，母亲离开了。母女无法达成和解，按照导演自述中的说法，最初的脚本以母女彼此谅解收尾，女儿“给予母亲新生的想法因难度过高而放弃，角色们似乎都有自寻生路的倾向。在我早年，总试着去掌控角色，但后来我变得明智些了，让他们去自我展现”

鸢宝宝

呃，都没看，好看么？会不会太“艺术”？嘻~

舞尽花未开

我是在发现这个帖的时候,才抓紧时间看完的,还不错,值得一看哦.